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PROFESORES DEL TALLER
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WORKSHOP TEACHERS
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Daniel Canogar
Daniel Canogar, nacido en Madrid en 1964, vive y trabaja en Madrid. Estudió Ciencias de la Imagen en la Universidad Complutense de Madrid, y recibió un masters con especialización en fotografía de New York University y el International Center for Photography en 1990. Entre sus exposiciones individuales y colectivas, se pueden destacar las realizadas en la Fundación Arte y Tecnología, Madrid; Palacio de Velázquez, Madrid; Galería Helga de Alvear, Madrid; Galería Estrany de la Mota, Barcelona; Espace d'Art Yvonamor Palix, Paris; Centre d'Art Contemporain de Basse Normandie, Francia; Axe Neo-7, Quebec, Canada; Metronom, Barcelona; Centro de Arte Santa Mónica, Barcelona; Artist Space, Nueva York; Museo Alejandro Otero, Caracas; el Wexner Center for the Arts, Columbus, Ohio; el Museo Kunstsammlung Nordrhein Westfallen de Düsseldorf y el Hamburger Bahnhof Museum de Berlin.
http://www.danielcanogar.com/
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Daniel Canogar
Daniel Canogar, born in Madrid in 1964, lives and works in Madrid. He studied visual communications at the Complutense University, and received his Master´s in photography from NYU/ICP in 1990. He has been awarded numerous grants and artist-in-residence positions and has appeared in group and solo exhibitions worldwide. His work has been exhibited at the Fundación Arte y Tecnología, Madrid; Palacio de Velázquez, Madrid; Galería Helga de Alvear, Madrid; Galería Estrany de la Mota, Barcelona; Art + Public Gallery, Geneva; Espace d'Art Yvonamor Palix, Paris; Centre d'Art Contemporain de Basse Normandie, France; Axe Neo-7, Québec; Metronom, Barcelona; Centro de Arte Santa Mónica, Barcelona; Artist Space, New York, Museo Alejandro Otero, Caracas; Wexner Center for the Arts, Columbus, Ohio; Offenes Kulturhaus Center for Contemporary Art, Upper Austria, Linz; the Kunstsammlung Nordrhein Westfallen Museum, Dusseldorf and the Hamburger Banhof Musuem in Berlin.
http://www.danielcanogar.com/
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Artist statement: Fantasmagorías
A finales del siglo XVIII, el belga Ettiene Gaspard Robertson presentó su "Fantasmagoría" en París, un espectáculo que causó sensación en su época. Un importante antecedente del cine, esta representación utilizaba linternas mágicas para proyectar espectrales figuras sobre gasas y cortinas de humo, aterrorizando a un espectador poco acostumbrado a ver efectos ópticos de este tipo. En la arqueología de los medios audiovisuales, frecuentemente encontramos asociados la tecnología con la alquimia, la quiromancia y el mundo de ultratumba. Todavía hoy vemos restos de este "fantasma en la máquina" en narrativas cinematográficas, casas embrujadas y novelas de ciencia ficción. A lo largo del taller, Daniel Canogar hará algunas presentaciones teóricas sobre como en el pasado lo mágico ideológicamente ha contaminado la distribución social de las nuevas tecnologías. Igualmente se hará una reflexión sobre como la relación entre la magia y la tecnología pervive en nuestros días. Finalmente, se realizarán ejercicios creativos que nos permitan actuar artísticamente sobre los conceptos discutidos.
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Artist statement: Phantasmagorias
At the end of the 18th century, the Belgian Ettiene Gaspard Robertson presented his "Phantasmagoria" in Paris - a show which caused quite a stir at the time. An important precursor of cinema, this form of representation used magic lanterns to project spectral figures over gauzes and smoke curtains, terrorizing a spectator little accustomed to this kind of optical effects. In audio-visual media archaeology, we often come across associations of technology with alchemy, of palmistry with the afterlife. Even nowadays, we keep seeing remnants of this "ghost in the machine" in cinema narratives, haunted houses and science fiction novels. During the workshop, Daniel Canogar will offer a series of theory-based presentations on how magic has contaminated the social distribution of new technologies throughout history. We will also reflect on how the relationship between magic and technology persists nowadays. Finally, we will introduce a series of creative exercises which will allow us to operate artistically on the issues under discussion.
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Simone Jones
Simone Jones lleva haciendo escultura cinética desde 1989. Recientemente su trabajo se ha ampliado hasta incluir cine, vídeo y performance. Jones explota diferentes comportamientos mecánicos como la repetición y la velocidad para maximizar la conexión perceptual del espectador con su trabajo. En este aspecto, sus esculturas se convierten en performers, animando al espectador a través de una experiencia compartida de tiempo y espacio.
Sus recientes exposiciones incluyen: /Knock/ en la Galería Walter, The Banff Center, Alberta, /Resonance: The Electromagnetic Bodies Project/, una exposición itinerante entre Canada y Europe, /Points of Entry/, una exposición itinerante a través de Nueva Zelanda y Australia, /Displacement/, en la Galería Regina Gouger Miller, Pittsburgh y /Sculpture Now/, en el Centro para las Artes de Pittsburgh, Pittsburgh. Jones ha recibido numerosas becas incluyendo una beca en Media Arts en 2003, beca del Ayuntamiento de Canada y el premio Arts Toronto Protégé Award en 1999. Jones ha trabajado en el Consejo de Dirección de la Liga de Cineastas Independientes de Toronto (LIFT) y ha sido Presidenta del Consejo de Directores del InterAccess Electronic Media Arts Centre. Nacida en la Cruz Roja de un puesto fronterizo en el norte de Ontario, Canadá, Jones se graduó en el Ontario College of Art con una concentración en Arte Experimental y recibió su MFA en Instalaciones Escultóricas por la Universidad York de Toronto. Jones ha sido recientemente Profesora Asistente Visitante de Arte de Jill Kraus en la Universidad Carnegie Mellon, Pittsburgh, con un cargo adjunto en la Escuela de Arte y Robótica. Actualmente Jones es Decano Asistente y Profesor Asociado del Colegio de Arte y Diseño de Ontario, Toronto, donde imparte clases en el Departamento de Integrated Media. Ejemplos del trabajo de Jones se pueden ver en: http://www.simonejones.com
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Simone Jones
Simone Jones has been making kinetic sculpture since 1989. Most recently, her work has expanded to include film, video and performance. Jones exploits various mechanical behaviors, such as repetition and speed, to maximize the viewer's perceptual connection to her work. In this regard, her sculptures become performers, animating the viewer through a shared experience of time and space. Recent exhibitions include Knock at the Walter Philips Gallery, The Banff Center, Alberta, Resonance: The Electromagnetic Bodies Project, a touring exhibition between Canada and Europe, Points of Entry, a touring exhibition throughout New Zealand and Australia, Displacement, at the Regina Gouger Miller Gallery, Pittsburgh and Sculpture Now, at the Pittsburgh Center for the Arts, Pittsburgh. Jones has received numerous grants for her work including a 2003 Media Arts Grant from the Canada Council and a 1999 Arts Toronto Protégé Award. Jones has served on the Board of Directors of the Liaison of Independent Filmmakers of Toronto (LIFT) and was the Chair of the Board of Directors of InterAccess Electronic Media Arts Centre. Born in a Red Cross outpost in northern Ontario, Canada, Jones graduated from the Ontario College of Art with a concentration in Experimental Art and received her MFA in Sculpture Installation from York University in Toronto. Jones was recently the Jill Kraus Visiting Assistant Professor of Art at Carnegie Mellon University, Pittsburgh, with a joint appointment in the School of Art and Robotics. Jones is currently an Assistant Dean and Associate Professor of Art at the Ontario College of Art and Design, Toronto where she teaches in the Integrated Media Department. Examples of Jones’ work can be viewed at http://www.simonejones.com
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Artist statement: Estoy interesada en los orígenes de los media contemporáneos desde una perspectiva tecnológica, social y cultural.
Considero que es crucial que los artistas que trabajan con tecnología se vean a sí mismos como inventores y manipuladores de material tecnológico, más que simplemente como últimos usuarios de sistemas tecnológicos pre-empaquetados y pre-definidos. Los desarrollos tecnológicos se entienden habitualmente como si fueran parte de un proceso evolutivo (por ejemplo: una tecnología es reemplazada por otra mejor). Sin embargo, esta evolución está lejos de ser natural, forma parte más bien de asuntos culturales y sociales a gran escala. Construimos tecnologías pero ellas también nos conforman a nosotros, es una relación bidireccional que tiene un gran potencial artístico.
He trabajado con arte electrónico desde 1989 y estoy fascinada por las posibilidades que surgen al crear máquinas y diseñar sistemas que se implican con el espacio físico y temporal. Mi trabajo surge de la experimentación con un gran abanico de materiales y procesos. Esta metodología me ha llevado a desarrollar un campo de trabajo que incluye animación, performance, cine, vídeo y escultura cinética.
Gran parte de mi trabajo se traduce en instalaciones y mi gusto por el absurdo se traduce a veces en obras humorísticas.
Desde 2002 Lance Winn y yo hemos trabajado colaborativamente en proyectos de vídeo cinético que investigan la promesa y las limitaciones de los extending media. Compartimos un interés común en los mecanismos de reproducción y en el impacto que estos tienen en la representación. Nuestro trabajo colaborativo se centra en los límites de la imagen bidimensional y en el deseo de ver más allá del marco. El crear máquinas de captura y proyección de imagen en movimiento nos permite hacer explícitos los requerimientos de la imagen proyectada cuando se filtra en el espacio, más que en una pantalla plana.
Simone Jones, marzo 2007
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Artist Statement:
I am interested in the origins of contemporary media from a technological, social and cultural perspective.
I believe that it is crucial for artists who work with technology to see themselves as inventors and manipulators of technological material rather than simply end-users of pre-packaged and pre-defined technological systems. Technological developments are often referred to as being part of an evolutionary process (i.e. one technology is replaced by a “better” technology). However, this evolution is far from natural, it is instead a component of larger cultural and social issues. We build technologies but they also shape us: it is a reciprocal relationship that has rich art making potential.
I have worked with electronics since 1989. I am fascinated by the possibilities that arise from building machines and designing systems that engage with physical and temporal space. My work arises from experimentation with a wide range of materials and processes. This methodology has lead to the development of a body of work that includes animation, performance, film, video and kinetic sculpture.
Much of the work is made for installation. Because of my fondness for absurdity, the work is sometimes humorous.
Since 2002, Lance Winn and I have worked collaboratively on kinetic/video projects that investigate the promise and the limitations of extending media. We share a common interest in the mechanisms of reproduction and the impact they have on representation. Our collaborative work focuses on the edges of the two-dimensional image and the desire to see beyond the limits of the frame. By creating programmable, moving video capture/projection machines we are able to make explicit the requirements of the projected image as it filters into space rather than onto a flat screen.
Simone Jones, March 2007.
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Zachary Lieberman
Zachary Lieberman (EEUU) usa la tecnología de forma lúdica y enigmática para explorar la naturaleza de la comunicación y la delicada frontera entre lo visible y lo invisible. Crea performances, instalaciones y trabajos on-line que investigan el input gestual, la extensión del cuerpo y la respuesta cinética.
En colaboración con Golan Levin ha creado una serie de instalaciones – Remark y Hidden Worlds- que presentan diferentes interpretaciones de cómo sería la voz si pudiésemos visualizar nuestra propia habla. A estas siguió Messa Di Voce, un concierto-performance en el cual, el habla, los gritos o las canciones de dos vocalistas son radicalmente amplificados en tiempo real por un software de visualización interactivo. Ambos han recibido recientemente una nominación del Wired magazine's artist of the year award, y han mostrado sus trabajos con gran éxito de público en numerosas exposiciones internacionales.
Lieberman ha sido artista residente en el Futurelab de Ars Electrónica, en Eyebeam, y recientemente en el Dance Theatre Workshop, donde ha estado investigando acerca de cómo puede usarse la tecnología para apoyar el proceso coreográfico.
Actualmente está realizando una gira con el concierto-performance Drawn, en el que formas pintadas cobran vida, saliendo del papel y reaccionando al mundo que tienen alrededor, Lieberman también ha desarrollado recientemente con NESTA un paquete de software para estudiantes discapacitados que transforma el movimiento en respuestas audiovisuales como medio de autoexpresión.
http://www.thesystemis.com
http://www.tmema.org
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Zachary Lieberman
Zachary Lieberman's (USA) Zachary Lieberman’s work uses technology in a playful and enigmatic way to explore the nature of communication and the delicate boundary between the visible and the invisible. He creates performances, installations, and on-line works that investigate gestural input, augmentation of the body, and kinetic response.
Working with collaborator Golan Levin, he created a series of installations Remark and Hidden Worlds, which presented different interpretations of what the voice might look like if we could see our own speech. These were followed with Messa Di Voce a concert performance in which the speech, shouts and songs of two abstract vocalists were radically augmented in real-time by interactive visualization software. The collaborators were recently nominated for Wired magazine’s artist of the year award and have toured and exhibited their works widely, much to the delight of their audiences.
Lieberman has held artist residencies at Ars Electronica Futurelab Ars Electronica Futurelab, Eyebeam, and most recently at Dance Theatre Workshop, where he investigated how technology might be used to aid the choreographic process.
He is currently touring a concert-performance, Drawn in which live painted forms appear to come to life, rising off the page and reacting to the world around them. Lieberman also recently developed with NESTA a suite of software for disabled students that transforms their movement into an audio-visual response as a means for performance and self-expression.
http://www.thesystemis.com
http://www.tmema.org
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Zach Lieberman presentará una librería de software para programación creativa en c++, llamada openframeworks(http://openframeworks.cc), que pone el énfasis en explorar técnicas de realidad aumentada. Investigaremos trucos visuales y sonoros, explorando como ficción y realidad pueden mezclarse para configurar mundos plausibles pero enteramente mágicos.
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Zach Lieberman will present a library of software for creative programming in c++ called openframeworks http://openframeworks.cc with an emphasis on exploring techniques for augmented reality. We will investigate visual and auditory tricks, exploring how fiction and reality can be mixed to present plausible but entirely magical worlds.
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